Les photographes de l'Anticafé claude gauthier

Les photographes de l’Anticafé

Voici les photographes que j’ai présentés aux rencontres hebdomadaires à l’Anticafé en 2016. Je choisi un aspect particulier de leur art pour mettre en perspective la qualité technique de leur oeuvre, leur inspiration artistique, la motivation sociale qui les guident, et enfin, l’influence qui ont eu tant au niveau artistique que social. Ces rencontres sont l’occasion d’échanger avec un groupe diversifié et intéressé à la création artistique.

Pour consulter le détail de ces présentation à l’Anticafé, visiter mon blog.


Dorothea Lange

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Dorothea Lange a su pousser loin l‘empathie et la compassion durant la crise économique américaine. Elle a laissé une influence durable sur l’avenir du photo journalisme et la photographie documentaire. Elle a sillonné les routes des états de l’ouest des États Unis pour croiser les Indiens, les migrants, les déportés de la vie. Elle porte un regard unique sur les victimes d’une crise sociale profonde

 


Yousuf Karsh

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Sur l’ensemble de sa carrière, Karsh a fait plus de 15,312 sessions photo, il a produit plus de 150,000 négatifs et a laissé une influence artistique indéniable. Il a documenté un grand nombre de personalités qui ont marqué le XXe siècle, en nous offrant l’image définitive illustrant la personalité propre de chaque personne.

 

 


Les photographes de l'Anticafé claude gauthier

Edward Steichen

La longue carrière de Scheichen a pris forme et a évoluée à l’intérieure de 2 grandes tendances artistique. Il a épousé les deux approches, le pictorialisme et le modernisme. Il a excellé avec une production novatrice. Son influence a été très présente sur l’évolution des valeurs esthétiques du XXe siècle. Ses années comme curateur au Musée des Art Modernes de New York ont confirmé son influence profonde sur l’évolution de la photographie comme média de communication.


 

Robert Doisneau

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Les photographies de Doisneau illustre le vieux Paris de l’après guerre des années 1940 – 1960, mourant dans son rôle de capitale intellectuelle et artistique au profit de New York. C’est un tournant douloureux d’une époque révolue, avec des images de jours meilleurs. C’est un cosmos visuel sans fin avec des archives de plus de 400,000 images

 


Ansel Adams

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La réputation d’Adams comme artiste visuel est sans égale aux États-Unis. La beauté sans égale de la nature de la côte ouest-américaine et les compétences photographiques d’Adams ont créé une collection d’images percutantes. Grâce à sa personnalité charismatique, sa conviction envers la nature de l’homme et la nature, il a su canalisé ses énergies de façon à servir ses concitoyens, ainsi que son effort pour préserver la nature sauvage américaine. Plus que tout autre Américain influent de son époque, Adams croyait à la fois la possibilité et la probabilité de l’humanité vivant en harmonie et équilibre avec son environnement.

 


William Notman

Les photographes de l'Anticafé claude gauthierMusée McCord de Montréal

Dès son arrivé à Montréal, Notman développe une attitude visionnaire pour mettre en place une organisation commerciale incluant un studio, la diffusion des images, avec de nombreux partenaires. Il voit le potentiel pour assurer la promotion du portrait comme outil d’expression de l’identité personelle et collective. Il met de l’avant une vision artistique claire, qui sera marquante pour son époque: créativité au service du portrait, publications, innovations techniques, classification systématique des photographies.

 

 


Edward Curtis

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Curtis est un photographe et ethnologue qui croyait que les Amérindiens étaient en voie de disparition. Il a créé une vaste collection d’image documentant la vie quotidienne de ces populations au début du XX siècle. Sa vision nostalgique et idéalisée des populations amérindiennes a influencé la société américaine, tout en créant la controverse. Malgré tout, son oeuvre gigantesque a permis de documenter l’identité de nombreux peuples indigènes de la cote ouest de l’Amérique du Nord.


Robert Mapplethorpe

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Photographe le plus controversé des années 80, Contemporain à Andy Warhol

Sujets provocateurs avec langage iconique clair : scène cuir de New York, nus masculins, fleurs à forte connotation érotique  représentes ses sujets de choix, expressions scatologiques durant les dernières années de sa vie. Toute sa vie, il est en mode de refoulement contre l’éducation catholique qu’il a reçu. Il est demeuré obsédé par le sexe sa vie durant et il a fait de l’homosexualité l’objet de sa création photographique, en dépits qu’il a toujours été relativement inhibé face à ces tabous.

 

 


 Sebastiao Salgado

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Dans la foulé de la guerre en Syrie, l’œuvre de Salgoda prend une signification particulière. Sa capacité à mettre en scène la misère des gens, avec des images explicites, bien composées et suggestives lui permet d’éviter le voyeurisme. Il est le maître de la transfiguration esthétique de l’horreur. Sa collection d’images de la guerre du Golfe est particulièrement saisissante.


Henri Cartier-Bresson

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Toute sa vie, Cartier-Bresson s’est définie comme un peintre, sa formation première, inspiré du surréalisme, malgré sa production impressionnante de photographies. Tardivement, il a produit finalement l’un des plus grands ouvrages de photographie du XX siècle, qui est devenu une référence incontournable du photojournalisme. Sa démarche a toujours été de fixer une situation au moment ou elle se trouve à son paroxysme.

 

 


Jean-François Bérubé

Editeur Claude Gauthier

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Jean-François Bérubé est un photographe québécois prolifique avec une production de portraits axés sur la créativité. Connu surtout pour ses portraits introspectifs et expressifs d’athlètes olympiques, il a aussi créé un large portfolio de portraits d’artistes, de personnes publiques et de sportifs. Sa créativité est perceptible avec une grande variété de sujets et de contextes. Son approche impliquant les sujets à l’acte de création contribue à développer une grande diversité d’expressions et un sens clair de complicité entre le créateur et ses sujets.


Nick Ut Cong Huynh

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Nick Ut Cong Huỳn est un photographe qui travailler pour l’Associated Press (AP) in Los Angeles. Il a  gagné le prix Pulitzer Prize en 1973 pour ses photos « The Terror of War », illustrant des enfants fuyant des villages bombardés par des bombes au napalm au Vietnam. Ces photos ont eu un tel impact qu’elles ont contribué à accélérer la pression sociale aupès du gouvernement américain pour se retirer du Vietnam en 1975.

Quarante ans plus tard, en 2016, des photos aussi tragiques en provenance d’Aleppo ne semblent pas influencer l’opinion publique de la même façon. L’horreur semble être devenue une habitude.

 

 


Jean-Baptiste Huyhn, France 1966 —

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L’œuvre de Jean-Baptiste Huynh est axée sur des thèmes récurrents qui incluent le visage, le regard, la lumière, l’étude de l’objet. La qualité de ses portraits permet à l’observateur d’aller à l’essentiel et de saisir la profondeur de l’acte photographique. Ses nombreux livres et expositions ont permis de diffuser des images d’une pureté exceptionnelle : des images simplifiées, puristes, centrées sur l’essentiel, privilégiant le noir et blanc. Notre discussion de l’œuvre de Huyhn se porte sur une collection de portraits, en portant attention sur la qualité de la lumière, de la composition et de l’expression du sujet.


Herb Ritts

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