Le minimalisme en photographie

La réussite d’une expression minimaliste en photographie nécessite une grande rigueur de composition et d’exécution. De toute évidence, les photographes Michael Levin, Michael Kenna et Julius Tjintjelaar ont su développer cette approche avec succès en produisant des portfolios marquants. L’approche minimaliste (que l’on appelle parfois aussi ‘surréelle’) implique souvent la disparition des détails d’une scène par l’usage des expositions longues au moyen de filtres à densité neutre.


Michael Levin

À l’âge de 35 ans, Michael Levin a fait un changement de carrière drastique : il abandonne son métier de restaurateur pour se lancer en photographie avec un modeste appareil numérique. Il est né a Vancouver en 1965.

Son sens des affaires résultant de son expérience en restauration et son talent naturel l’a aidé à sortir de l’obscurité rapidement. Avec seulement cinq photographies dans son portfolio, IKEA l’approche pour transformer ses images en affiches. Deux ans plus tard, ils avaient vendu des centaines de milliers d’affiches dans le monde entier. Immédiatement, un galeriste a voulu le représenter. « Les photographes passent énormément de temps à éditer leur propre travail. Ils ont peut-être deux photos extraordinaires, mais huit autres sont médiocres et abaissent le niveau de ces deux grandes photographies. »

En l’espace de quelques années, il devint l’étoile montante du magazine Focus. Il accumule année après année de nombreux prix. Levin a été nommé photographe de l’année par l’«  International Photography Awards » et au « Prix de la Photographie ». Il continue de se démarquer dans la publication de livres artistiques ainsi que dans les sélections du « PDN Photo Annual »

Levin fait référence au peintre Mark Rothko et au photographe Michael Kenna comme ses sources d’inspiration.

Levin admire les images surréalistes de Kenna : «Je me demandais comment ce gars transformer un arbre ou un bâton dans la boue en un objet si incroyable».

Le processus de production de Levin est intense. Lors d’une excursion de trois semaines à travers l’Italie, il n’a choisi qu’une seule image pour son portfolio :   «J’ai photographié toute la journée et toute la nuit pendant deux jours» pour obtenir un seul pilier, après avoir vu des milliers d’autres quais.

 

Mise en situation: Clip Vimeo

 

Zebrato , Italie 2005. Appareil photo Linhof 4 × 5 avec film noir et blanc et d’un objectif Schneider 80mm. L’exposition est de vingt minute. Photoshop utilisée sur une base minimale pour nettoyer l’image.

 

« De tout le voyage en Italie (trois semaines), j’ai une boîte pleine de négatifs 4 × 5 qui ne verra jamais le jour. J’essaie toujours de comprendre la composition et les aspects techniques de la photographie en pose longue. Je pense que le processus de composition est souvent négligé par les photographes.  Les nuages ​​sont très dramatiques dans cette image. Au départ, je ne voulais pas que les pêcheurs soient assis au bout du quai, mais au final, cela s’est avéré être assez étonnant. Il ajoute à la fois un contexte et un mystère à l’image. »

« J’ai passé deux jours à photographier cette jetée sous des angles légèrement différents. Avec la photographie longue exposition, vous ne savez jamais ce que vous allez obtenir avec les formations nuageuses. J’ai donc tiré des clichés toute la journée et toute la nuit pendant deux jours. La photo choisie s’est avérée être la toute première prise de vue nocturne. »

« J’ai généralement plus de succès la nuit avec ce type d’images; vous pouvez avoir des expositions plus longues avec une faible lumière et aucune ombre prononcée. »

C’est ainsi que j’ai visualisé la scène : de l’eau blanche avec un fort trait noir qui tend vers l’infini. J’ai tendance à essayer de créer visuellement des scènes dramatiques à partir d’angle de vues très standards.

Même scène, en exposition courte

Entrevue

Recherche de ses scènes

« Je me souviens de mes voyages en famille aux États-Unis et il me semble que je cherchais toujours un rocher intéressant plutôt qu’un paysage complet.  J’aime regarder ces points de vue très communs avec une approche inhabituelle, passer du temps dans des endroits qui m’intéresse. Il y a certainement des moments où je photographie dans un secteur où beaucoup de photographes sont présents, comme un beau coucher de soleil alors que j’ai ma caméra pointée dans l’autre sens. »

« Le descriptif des emplacements ne figurent pas sur aucune de mes photographies, car souvent je ne sais pas trop où je me trouve. Je trouve mes emplacements par hasard, je ne fais que conduire et arpenter. J’ai trouvé l’emplacement de Zebrato à mi-chemin de mon voyage de trois semaines. Je pensais que c’était spécial à l’époque.

 

Débuts en photographie

J’étais propriétaire d’un restaurant pendant cinq ans et je l’ai vendu quand j’ai eu 35 ans. C’est à cette époque que j’ai acheté un appareil photo numérique Canon D60 et que j’ai commencé à photographier en couleur, sans direction. Je photographiais tout et je m’intéressais naturellement au minimalisme avec certaines des photos. Le seul art qui m’ait vraiment ému à l’époque était celui du peintre Mark Rothko. Autrement, je n’ai pas vraiment de formation artistique. Peu de temps après, j’ai découvert le photographe Michael Kenna.

C’est là où je pense que la graine a été plantée pour ce style de photographie. Je me demandais comment ce type pouvait rendre un arbre ou un bâton dans la boue si incroyable.

Après avoir vendu le restaurant, j’ai pris un congé et je me suis davantage intéressé à la photographie. Lorsque j’ai commencé à imprimer mes photographies dans un laboratoire local, deux galeristes les ont vues et ont demandé à me représenter. À ce stade, je n’avais que cinq ou six photographies! Environ 6 mois plus tard, un acheteur d’IKEA souhaitait obtenir une licence pour deux de mes photographies. C’était un an après le début de ma production et tout à coup IKEA a voulu faire une entente avec moi, un peu surréaliste à l’époque. C’est à ce moment-là que j’ai compris que je pouvais vraiment faire de la photographie. Quelques années plus tard, IKEA avait vendu des centaines de milliers d’affiches dans le monde entier.

J’ai des ententes avec des entreprises qui m’ont permis de voyager, cela a toujours été une priorité dans ma vie. Au début, j’avais commencé à photographier dans le nord-ouest du Pacifique et je voulais diversifier mes sites. Je suis ensuite allé en France, puis en Angleterre.

J’ai reconnu qu’avant de pouvoir photographier ces lieux, je devais commercialiser mon travail et mettre en place un modèle commercial. J’ai passé beaucoup de temps là-dessus, ce qui m’a finalement permis de faire des voyages financés par mes ventes. Heureusement, le marché était vraiment bon à l’époque. Ce style de photographies semblait résonner avec les gens et ils se vendaient bien. J’obtenais quelques nouvelles photos à chaque voyage. J’ai donc cinquante photos provenant d’une vingtaine de voyages.

Je dois le mentionne, bien que mon portefeuille comporte 50 images en noir et blanc, j’ai également quelques images de paysages en couleurs que je considère tout aussi fortes. Je ferai éventuellement une exposition avec ce travail mais ce n’est pas encore prêt.

La majeure partie de mon travail a été réalisée avec une caméra 8 × 10 en Islande à l’été 2007. L’Islande est vraiment un lieu mythique et il suffit de regarder le paysage et de se demander s’il est réel. Depuis, j’ai parcouru plusieurs fois la Corée du Sud et le Japon.

 

Processus de longue expositions

Ferry Dock, Colombie Britanique, 2003

 

Comment vous êtes vous lancé en photographie?

La photo « Ferry Docks » a été prise en Colombie-Britannique à l’automne 2003. Je suis allé à cet endroit et je l’ai photographié comme une image instantanée. Lorsque la lumière s’estompait, j’ai fait des expositions de plus en plus longues. C’est alors que j’ai réalisé que c’était le regard que je voulais.

C’était un point de départ. Cela m’a permis de mieux réaliser le potentiel de ce style de photographie. Les images peuvent vraiment prendre une qualité picturale à ce stade et je pense que c’est là que l’inspiration de Rothko est devenue évidente pour moi.

J’ai commencé avec un appareil photo numérique et je faisais avec lui de petites impressions d’environ 8 ”x 8”. La qualité était excellente (du moins je le pensais à l’époque), mais si je voulais faire quelque chose de plus grand, l’image commençait à se pixéliser et je n’ai pas du tout aimé ça.  J’ai vu le travail de Michael Kenna dans une galerie de San Francisco et c’était la première fois que j’étais face à de «vraies» photographies. Il présentait des photographies de 30 « x 40 » qui étaient très dramatiques et je pensais que cela élevait la photographie à un tout autre niveau. C’est à ce moment-là que j’ai réalisé que je devais me procurer une caméra qui me permetterait  d’atteindre ce niveau de qualité visuelle.

 

Et pourquoi noir et blanc? 

Je pense qu’il y a plus de flexibilité avec le noir et blanc en ce qui concerne la manipulation de l’image. Je ne parle pas de Photoshop, mais plutôt de la possibilité d’élargir les gammes de tons et de les rendre réelles. Je suis plus apte à créer de l’émotion dans une impression N & B que de la couleur.

 

Vous utilisez Photoshop pour l’équivalent d’esquiver et de graver. Avez-vous déjà pensé à utiliser Photoshop pour créer un nuage plus esthétique ou quelque chose du genre, ou est-ce que cela ne vous intéresse pas? 

Même si je me sers de Photoshop depuis cinq ans, je suis encore un peu limité. Donc, quand je suis sur le terrain, je prends des tonnes de négatifs pour que je puisse avoir ces superbes nuages. J’ai un certain nombre d’images qui sont bonnes mais pas géniales à cause des nuages ​​ou du niveau de la marée et je reviendrai éventuellement les ré-photographier jusqu’à ce que tout soit correct.

J’ai lu votre entretien avec le photographe Darran Rees et le travail de ces gars-là est incroyable, c’est tellement au-delà de mon niveau de compétences dans le département Photoshop. Je supprime quelques petites choses dans les images si je les trouve gênantes.

 

C’est vraiment impressionnant la rapidité avec laquelle vous avez trouvé le succès et que vous êtes représenté par tant de galeries. Comment avez-vous commencé vos relations avec ces différentes galeries à travers le monde? 

J’ai abordé la photographie en tant qu’un défit d’entreprise. Au départ, j’ai interviewé deux galéristes différents ici à Vancouver pour savoir comment tout cela fonctionnait. Je leur ai demandé quelles étaient, à leur avis, les forces et les faiblesses de leurs artistes et ce qu’ils recherchaient lorsqu’ils passaient en revue leurs portefeuilles. Ces simples questions m’ont donné une base pour continuer à apprendre sur le monde de l’art. Je me suis ensuite fait représenter par une galerie ici à Vancouver et j’ai visé ensuite Toronto.  À l’époque, j’avais environ dix photographies dans mon portfolio. En regardant en arrière, il semble assez comique qu’un artiste avec dix photographies soit représenté. Lorsque j’ai envoyé un CD, j’ai parlé de mon dévouement au travail et la présentation était primordiale. J’ai posé beaucoup de questions au début.  Heureusement, je suis intéressé par un type de photographie auquel beaucoup de gens semblent réagir.

Il y a beaucoup de grands photographes qui prennent des images étonnantes, mais elles ne semblent pas commerciales.  J’ai aussi commencé à participer à des concours de photographie et cela m’a donné plus de visibilité. J’ai reçu la première place au premier concours auquel j’ai participé. Ensuite, participé à d’autres concours. Le plus important était l’ « International Photography Awards » de 2006, où j’ai remporté le prix de photographe de l’année pour les photos de la nature. Cela m’a permis d’ouvrir beaucoup de portes.  J’ai commencé à recevoir des invitations pour des interviews avec des magazine ; des personnes m’appelaient pour représenter mon travail.

J’ai eu de la chance, mais j’y travaille aussi continuellement, ce qui est important en tant que photographe d’art. Ma tâche principale consiste à promouvoir mon travail autant que possible. C’est un facteur important de mon succès.

Référence et interview

Site et portfolio

Interview, Michael Levin  F Stop

Interview, Michael Levin  ND Magazine

Interview, Michael Levin, B Vision

Short video clip of photographer Michael Levin capturing his image ‘Code’ in Japan

Michael Kanna

 


Né et formé en Angleterre, dans la petite ville de Widnes en 1953, d’une famille irlandaise catholique.

Kenna s’intéresse à capter des paysages inhabituels avec une lumière éthérée obtenue en photographiant à l’aube ou la nuit avec des expositions allant jusqu’à 10 heures. Depuis 1986 environ, il utilise principalement les appareils photo Hasselblad moyen format.

Son travail a été présenté dans des galeries et dans des expositions de musées en Asie, en Australie et en Europe, à Prague ainsi que le Victoria and Albert Museum de Londres. Ses photographies des ruines de camps de concentration ont été présentées dans le générique d’ouverture du film Esther’s Diary (2010) sur l’Holocauste.

Photographier avec le film

Quoique Kenna produit son travail commercial avec des appareils photo numériques, il est notoire qu’il photographie tout son travail personnel sur des appareils photo de format moyen Hasselblad 500CM. La photographie numérique est un format fantastique et accessible, mais cela peut parfois signifier que nous perdons certains facteurs cruciaux qui font le charme du film, notamment la lenteur, l’imprévisibilité et les complications qui surviennent lors de l’utilisation du format analogique.

Pour photographier sur film, vous devez prendre votre temps pour méditer sur la scène et vous assurer d’obtenir la bonne exposition. Cela vous oblige à étudier la lumière et les conditions de la scène. Capter sur film signifie également que vous êtes limité au nombre d’images par film et au nombre de rouleaux de films que vous avez sur vous. Cela signifie qu’il n’y pas de place pour l’erreur.

 

Photographier en noir et blanc

En plus d’utiliser du film, Kenna est aussi connu pour son utilisation du noir et blanc. Ceci est crucial pour l’esthétique minimaliste recherchée par Kenna. Il utilise la métaphore de la poésie haïku – quelques mots suggèrent un monde immense. Moins d’informations offre au spectateur plus d’espace pour son imagination. En supprimant les couleurs d’une scène, Kenna est en mesure de supprimer une distraction supplémentaire de l’image.

Utiliser le format carré

Le format carré est le résultat de l’utilisation des films de format 6 x 6 et 6 x 4.5 par Kenna dans ses appareils photo Hasselblad. Cela nous ramène à l’idée précédente de simplifier la scène. Un carré est une forme propre et simple. Le format du carré de prise de vue modifie la façon dont vous voyez la scène. Cela change votre relation au cadre et à la manière dont vous présentez les formes, les lignes et les formes dans un paysage (ou le genre dans lequel vous choisissez de travailler).  Si vous photographiez en numérique, essayez de modifier le rapport de format de votre appareil photo et voyez comment votre réaction à la composition se modifie. Notez également que, bien que vous puissiez photographier un format plus rectangle et recadrer tardivement en post-production, il se peut que vous obteniez de meilleurs résultats si vous captez la scène en format carré directement avec la caméra.

Étude, Torii, Takaishima-Biwa Lac Honshu, Japon 2007

Utiliser une gamme d’objectifs

Il est toujours avantageux d’expérimenter avec une gamme de focales pour voir comment chacune d’elles interprète différemment une scène. Kenna a tendance à utiliser des objectifs allant de 40 à 250 mm et de les sélectionner en fonction de ses besoins. Encore une fois, nous voyons combien il est important de prendre votre temps pour étudier un lieu. Passez un certain temps à installer chaque objectif à votre appareil photo et regardez ce que chacune d’elles peut faire pour votre composition.

Travaillez par tous les conditions météorologiques

Comme le savent tous les photographes paysagistes sérieux, le mauvais temps n’est pas une excuse pour rester à l’intérieur. Kenna capte ses photos peu importe que le temps soit couvert, pluvieux, neigeux ou brumeux. En fait, ces conditions ne font que souligner le sentiment de rêve des images de Kenna. Des conditions telles que la pluie et le brouillard réduisent la scène et attirent l’attention sur les éléments essentiels de la composition.

 

Photographier tôt le matin et le soir

Les images de Kenna sont imprégnées de sentiments d’isolement, de calme et peut-être même d’un peu d’aliénation. Cela tient en partie au fait que les gens sont très rarement présents dans le travail de Kenna et qu’il photographie souvent dans des endroits éloignés et aux heures de la journée où souvent les gens dorment.

Tourner très tôt le matin ou tard dans la nuit signifie que Kenna peut capter des scènes sans être dérangé par la présence humaine. Les lieux dégagent une atmosphère magique à ces moments. La brume matinale est un bon exemple.

 

Faites de longues expositions

Les longues expositions sont un élément clé du travail de Kenna depuis de nombreuses années. «Pendant une longue exposition, le monde change», déclare Kenna. «Les fleuves coulent, les avions passent, les nuages ​​passent et la position de la Terre par rapport aux étoiles est différente. Cette accumulation de lumière, de temps et de mouvement, impossible à capter pour l’œil humain, peut être enregistrée sur film. Le réel devient surréaliste, ce qui est merveilleux.

Les scènes de Kenna présentent souvent des plans d’eau; les longues expositions permettent de réduire l’eau à une surface vitreuse. Cependant, si vous voulez vraiment essayer de recréer le travail de Kenna, alors soyez prêt pour de longues expositions. Certains de ses photographies ont une exposition jusqu’à 12 heures. L’avantage des ces longues expositions, c’est que tout objet en mouvement n’apparaitra pas sur le cliché.

 

Utiliser des filtres

Kenna utilise des filtres à densité neutre pour produire des longues expositions. Par exemple, le choix de filtre (3-stop, 6-stop, 10-stop, etc.) sera déterminé par la durée de l’exposition. Chaque stop doublera la durée de l’exposition.

En plus des filtres de densité neutre, Kenna utilise également des filtres rouges ou orange pour modifier le contraste et la tonalité de ses images.

 

Référence et interview

Portfolio, Michael Kenna

Michael Kenna: “I am not in control.”     Interview and YouTube video, talking about locations

18 Quotes By Photographer Michael Kenna 

Black And White Photography By Michael Kenna  Photographier en noir et blanc

Shoot like Michael Kenna  Kenna explique son approche de production

Interview avec Michale Kenna

 

 

Julius Tjintjelaar

 

Le site Web de Tjintjelaar présente une collection de photos noir et blanc. Il s’intéresse particulièrment à l’utilisation des filtres à densité neutre. Il est un expert Photoshop et plusieurs de ses tutoriels sont disponible sur sa chaine YouTube.

 

Sa page Flickr présente une belle collection de photographie de longue exposition.

 

 

 

 

Portfolio sur Flickr

Canal YouTube   Video de formation Photoshop

Analyse comparative avec Filtre ND    Hitech Firecrest 16 stops

 

 

L’usage des filtres à densité neutre

En photographie et en optique, un filtre à densité neutre ou filtre ND est un filtre qui absorbe de manière égale les rayonnements visibles quelle que soit la longueur d’onde. Le filtre, d’apparence grise, n’est pas coloré et ne modifie pas la teinte ou le rendu de couleur. Le but de ce type de filtre est de permettre au photographe une plus grande marge de manœuvre quant au réglage de l’ouverture, du temps de pose, ou du flou. L’emploi d’un filtre à densité neutre permet au photographe de limiter la quantité de lumière qui atteint la surface sensible dans le but :

  • d’éviter la surexposition dans un environnement très lumineux ;
  • d’augmenter le temps de pose pour une même exposition ce qui permet d’obtenir des photographies longue pose comme un effet de flou cinétique (ex. cascades, rivières, phares de voitures en ville, etc.) ou de lissage de la surface de l’eau ;
  • d’utiliser une ouverture plus grande pour une même exposition ce qui aura pour conséquence la diminution de la profondeur de champ ; l’objectif peut alors être utilisé à une ouverture moyenne pour laquelle les aberrations sont généralement minimisées.

Autres domaines d’application:

  • Les filtres à densité neutre avec les lasers de haute précision, car la puissance d’un laser ne peut pas être ajustée sans modifier d’autres propriétés intrinsèques (par exemple, la collimation d’un faisceau). De plus, la plupart des lasers possèdent un seuil de puissance à partir duquel ils peuvent opérer. Pour parvenir à l’atténuation de lumière désirée, un ou plusieurs filtres à densité neutre peuvent-être placés en travers du faisceau.
  • Les vues de télescopes larges peuvent rendre la lune et les planètes trop brillantes, ou leur faire perdre de leur contraste. Un filtre à densité neutre peut augmenter ce dernier et diminuer la luminosité, ce qui rend les astres plus faciles à observer.

Types de filtres (page Wikipedia)

 

Autres références de photographes minimalistes

Tom D Jones

Michael Diblicek, Fine Art Photography

Vassilis Tangoulis  Long exposure photography interview

Vassilis Tangoulis photographe

Michel Grenier  Le Grand Rassemblement

 

 

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