Horst P. Horst et Helmut Newton : l’influence allemande chez Vogues

« Le corset Mainbocher » (1939) par Horst P. Horst est l’image la plus célèbre du photographe ; elle est devenue l’une des photographies de mode les plus reconnaissables du XXe siècle. La photographie est empreinte d’un érotisme élégant, avec une utilisation d’une lumière ingénieuse. La photographie de mode « Elles arrivent ! » (1981) de Helmut Newton a aussi provoqué son époque en proposant une véritable métaphore érotique annonçant l’évolution sociale des femmes.

Ces deux hommes du vingtième siècle, nés en Allemagne ont beaucoup en commun. Tous deux se sont définis comme des artistes photographes. Mais leur art est unique.

 

Les similarités entre 2 artistes

  • Horst P. Horst (1906 -1999)  /  Helmut Newton (1920 -2004)
  • Leur carrière se développe pendant le même siècle
  • Naissance en Allemagne à la même époque
  • Première éducation artistique en Allemagne
  • Se dirigent vers la photographie tôt dans leur carrière
  • Aucune influence des pictorialistes dans leur pratique
  • Définitivement orientés ‘Commercial’ dans leur pratique
  • Sont découverts par Vogue France (sous différents directeurs artistiques)
  • Développent une vision artistique claire
  • Laissent une marque incontournable dans l’histoire de l’art photographique
  • Imposent leur style et chalenge les idées et valeurs de leur époque

 

 

Horst P Horst (1906 – 1999)

Horst P. Horst (1906-99) a créé des images qui transcendent la mode et le temps. Il était un maître de la lumière, de la composition et de l’illusion atmosphérique, qui évoquait un monde de sophistication sensuelle. Au cours d’une carrière extraordinaire de soixante ans, ses photographies ont orné les pages de Vogue et House and Garden sous le sigle photographique «Horst». Aux côtés d’Irving Penn et de Richard Avedon, il est l’un des photographes de mode et de portraitistes les plus éminents du XXe siècle.

 

 

Représentant des temps anciens à l’époque moderne

Horst s’inspire de la Grèce et de l’Antiquité classique, comparable par exemple à l’inspiration de Herbert List (1903 – 1975). Il s’impose comme un représentant des temps anciens à une époque moderniste.

L’esthétique épuré de List

Horst est né en 1906 en Allemagne. Il fait ses études à l’école des arts appliqués de Hambourg avant de s’installer à Paris en 1930 pour faire un stage chez Le Corbusier. Tout en intégrant les courants artistiques modernes, il développe une esthétique formée à l’école des arts traditionnels, proposant ainsi une réhabilitation du goût.

Horst n’est pas un bohème vivant comme de nombreux artistes d’avant-garde exilés à Paris (comme Man Ray par exemple). Il trouve ses amis dans la bourgeoisie cultivée qui s’intéresse à l’art appliqué, tel la mode et les magazines de mode.

 

Il rencontre le photographe de Vogue, le baron Hoyningen-Huene, photographe de mode pour Vogue, qui devient son ami et un mentor influent. Il fut son assistant photographique pendant quelques années.

 

 

 

 

 

En 1931, Horst commença sa collaboration avec Vogue, publiant sa première photographie dans l’édition française de Vogue.  Sa première exposition a lieu à La Plume d’Or à Paris en 1932. La critique Janet Flanner du New Yorker le met en évidence. Horst réalise un portrait de Janet Flanner la même année, la première d’une série de personnalités qu’il photographierait au cours de sa carrière.

La critique Janet Flanner du New Yorker magazine

Au milieu des années 1930, Horst avait remplacé son mentor, George Hoyningen-Huene, à titre de photographe principal de Paris Vogue. Ses images apparaissent fréquemment dans les éditions française, britannique et américaine du magazine. Un grand nombre des photographies exposées dans l’exposition sont des estampes vintage provenant des archives de la société.

Horst rencontre Coco Chanel en 1937 . Il photographiera ses modes pendant trois décennies.

En 1941, Horst obtient la citoyenneté américaine. En 1943, il s’engage dans l’armée américaine. Il devient un photographe de l’armée. En 1945, il a photographié le président des États-Unis, Harry S. Truman, avec qui il est devenu ami. Il a photographié toutes les premières dames de l’après-guerre à l’invitation de la Maison-Blanche.

 

Son travail reflète souvent son intérêt pour le surréalisme et son respect pour l’ancien idéal grec de la beauté physique. Sa méthode de travail impliquait généralement une préparation minutieuse du studio, avec l’éclairage et les accessoires de studio (qu’il utilisait abondamment) disposés à l’avance. Ses instructions aux modèles sont mémorisées comme étant brèves et précises.

 

Il utilise fréquemment quatre projecteurs, souvent l’un d’eux pointant du plafond. Il est rare que ses photos incluent des ombres sur le fond du décor. Horst utilisait rarement, voire jamais, des filtres. Bien que la plupart de ses travaux soient en noir et blanc, une grande partie de ses photographies en couleurs comportent des paramètres en grande partie monochromes pour créer une mode colorée.

 

L’un de ses portraits les plus célèbres est celui de Marlene Dietrich, prise en 1942. Elle protesta contre l’éclairage qu’il avait choisi et arrangé, mais il l’utilisa quand même et s’en montra très satisfaite.

 

 

Le Corset Mainbocher

« Le corset Mainbocher » (1939) est l’image la plus célèbre du photographe ; elle est devenue l’une des photographies de mode les plus reconnaissables du XXe siècle. La photographie est empreinte d’un érotisme élégant, chargé du modèle semi-nu, de la lumière ingénieuse de Horst et du corset lui-même.

Nous sommes en présence d’une grande image paisible et silencieuse. Horst a choisi cette image pour la couverture de sa biographie « Horst, His work and his world ». Image d’une beauté intemporelle, exprimant l’harmonie, l’équilibre entre le charme et la pudeur, entre l’érotisme et la retenue, entre la provocation et la subtile élégance.

Éclairage flatteur avec ombres dramatiques.

En contraste, quelques années auparavant, Martin Munkacsi avait fait courrir une fille vêtue d’une tenue légère d’été dans des dunes le long d’une plage : image de liberté, d’aventure, d’été, de soleil, d’air, de mouvement, de féminité sportive, tout ce que pouvait capter une photographie formée à l’école du photo journalisme. Ce cliché paru en 1935 dans Harper’s Bazaar illustre le dynamisme et la légèreté.

 

Munkacsi se situe aux antipodes de l’esthétique d’un Horst, homme de studio et de la mise en scène patiemment élaborée. La lumière est calculée, construite comme un élément architectural. L’image est captée par une lourde chambre sur trépied, contrairement à Munkscsi, utilisant une leica légère et mobile.

Le philosophe Roland Barthes fait référence à construction utilisé par Horst comme un « punctum », c’est-à-dire ce détail insignifiant au premier regard, mais qui construit l’intérêt et captive.

Horst parle d’un « petit chaos » qu’il avait coutume d’insuffler à petite dose dans ses photos. Par exemple, un bouquet de fleur un peu défraîchi, un coussin qui suggère qu’il vient juste d’être utilisé, un cendrier plein : tout est prévu, calculé.

 

Airbrush

Pour certain, l’image du le corset Mainbocher était trop provocante. Pour atténuer la critique, certaines version de la photographie ont été modifier par airbrushing, le photoshop de l’époque, pour resserrer le tout.

 

 

L’appropriation de Madonna

Madonna s’approprie l’idée du Corset Mainbocher  Non seulement la photographie est une référence en terme de composition et d’élégance, mais elle a aussi inspiré Madonna.  La plupart des scènes tirées du vidéoclip «Vogue» de Madonna, 1990 sont inspirées de photographies prises par le photographe Horst P. Horst, notamment son célèbre «Corset Mainbocher», «Lisa et son turban» (1940) et «Le massage du visage de Carmen» (1946).

 

Le fameux corset de Madonna

 

Lisa et son turban, 1940

 

Le massage du visage de Carmen, 1946)

 

Haute couture

Quand Horst rejoignit Vogue en 1931, Paris était toujours le centre incontesté de la haute couture dans le monde. La photographie avait commencé à éclipser l’illustration graphique dans les magazines de mode et l’éditeur Condé Montrose Nast a consacré d’importantes sommes à l’amélioration de la qualité de la reproduction des images. Il a insisté pour que les photographes de Vogue travaillent avec un appareil photo grand format, qui produisait des négatifs très détaillés de dix pouces sur huit.

La création d’une photographie de Horst était un processus collaboratif associant les talents du photographe et modèle, du directeur artistique, du rédacteur de mode, des assistants de studio et des techniciens de plateau. Le métier de mannequin en était encore à ses balbutiements dans les années 1930 et nombre de ceux qui posaient sous les projecteurs des studios étaient des amis stylés du personnel du magazine, souvent des actrices ou des aristocrates.

 

Surréalisme

Le mouvement artistique surréaliste a exploré des manières uniques d’interpréter le monde, en s’inspirant des rêves et de l’inconscient. Au cours des années 1930, le surréalisme sort de ses racines avant-gardistes radicales et transforme le design, la mode, la publicité, le théâtre et le film.

Les photographies de Horst de cette période présentent des éléments mystérieux, fantaisistes et surréalistes, combinés à son esthétique classique. Il a créé des natures mortes en trompe-l’œil, photographié les motifs vestimentaires surréalistes de son ami Elsa Schiaparelli et collaboré avec l’artiste Salvador Dalí. Il partageait avec les surréalistes une fascination pour la représentation du corps féminin, fragmentant et érotisant souvent la forme humaine dans ses images.

 

Nus masculins

Au début des années 1950, Horst produit un ensemble de photographies distinctives, différente à la plupart de ses productions antérieures. Ces études sur des modèles masculins sont exposées pour la première fois à Paris en 1953 et réimprimées dans les années 1980 à l’aide du procédé au platine-palladium.

Les études illustrent le sens de la forme de Horst. L’accent est mis sur le corps humain idéalisé, la lumière et l’ombre expressives. Les nus monumentaux et anonymes ressemblent à des sculptures classiques.

Selon Mehemed Agha (1929-1978), directeur artistique de American Vogue,  «Horst prend l’argile inerte de la chair humaine et la modèle dans les formes décoratives de sa propre invention. Chaque geste de ses modèles est planifié, chaque ligne contrôlée et coordonnée à l’ensemble de l’image. Certains gestes semblent naturels et négligents, car soigneusement répétés; les autres, comme le dieu de Voltaire, ont été inventés par l’artiste parce qu’ils n’existaient pas »

 

Round the Clock

Dans les années 1980, le style des premières années de Horst P. Horst connaissait une renaissance. En 1978, la rédactrice en chef de Vogue, Francine Crescent, a invité l’artiste à photographier les collections parisiennes dans un style qui fait écho à son travail atmosphérique des années 1930. La réputation de Horst est ainsi passé à la postérité grâce à une série de nouvelles publications, expositions et documentaires télévisés.

En 1988, la marque « Round the Clock » commanda une campagne publicitaire controversée dans laquelle les femmes dévoilaient leurs jambes minces vêtues d’un bas, avec l’impression «bas de nylon pour homme». Une publicité télévisée complémentaire mettait en vedette un homme rentrant du travail pour trouver la publicité imprimée dans un magazine envoyé par la poste, avant de retirer ses chaussures et ses bretelles et de se coucher sur le lit avec la lumière éteinte. Les observateurs des deux publicités ont été assez influencés pour protester contre la campagne apparemment sexiste.

Les ventes auparavant stagnantes de « Round the Clock » ont ​​augmentées. Les recherches de marché ont révélé que la façon dont les femmes se tournaient vers le sexe opposé déterminait 85% de leurs achats de bas. Malgré cela, toutefois, le secteur évitait à utiliser le sexe, privilégiant la promotion de la couleur, du style et de la coupe. Gad Romann, président de l’agence Romann & Tannenholz, ne s’est pas excusé pour cette campagne audacieuse et aurait affirmé qu’il y avait une différence entre la pornographie et l’art; avec Horst, c’est de l’art.  »

« Round the Clock », 1987 est dotée d’une précision fastidieuse et de l’ambiance énigmatique d’une image caractéristique de Horst. Le clair-obscur qui frappe les jambes, de la cheville à la jarretelle, confère un sens dramatique immédiatement reconnaissable aux personnes familiarisées avec les archives de la mode de l’artiste – compilées sur six décennies. La photographie fait également référence au surréalisme dans sa composition, la silhouette de la femme étant coupée par le bord supérieur de l’image.

 

 

Tirages platine-palladium

Dans les années 1980, durant ce deuxième sommet de sa carrière, Horst produisit de nouveaux tirages pour les musées et le marché des collectionneurs, imprimées en platine-palladium. Horst était un technicien photographique méticuleux. Ces impressions sont désormais prisées pour leurs nuances nuancées, leur qualité de surface et leur forme durable.

Les années 1980 ont été témoins d’une avalanche de nouveaux livres, expositions et documentaires télévisés sur Horst. Il produit de nouveaux tirages pour les musées et le marché des collectionneurs, sélectionnant des œuvres emblématiques de chaque décennie de sa carrière pour les réimprimer avec un procédé platine-palladium, parfois avec de nouveaux titres. C’était une technique complexe et coûteuse, utilisant des métaux plus coûteux que l’or. Sa vue défaillante le contraignit finalement à cesser de travailler en 1992.

Les estampes Horst en platine-palladium sont appréciées pour leurs tons nuancés, leur qualité de surface et leur permanence. Son utilisation du procédé platine pour lui a permis de créer de nouvelles œuvres et reproduire des œuvres anciennes démontrant sa maîtrise de la lumière, de l’expression et de la composition pour  un nouveau public.

 

 

http://www.vam.ac.uk/content/exhibitions/exhibition-horst-photographer-of-style/about-the-exhibition/

 

https://huxleyparlour.com/horst-p-horst-round-the-clock-i-1987/

 



 

 

Helmut Newton (1920 – 2004)

De père juif allemand et de mère américaine, le jeune Helmut fait ses études à Berlin, puis à l’École américaine de Berlin. Il s’intéresse très tôt à la photographie et, dès 1936, devient l’élève de la photographe allemande Else Simon, dite « Yva », à qui il doit son style de photographie. Il quitte l’Allemagne nazie en 1938 : après avoir travaillé pendant un temps à Singapour, il émigre en Australie. Pendant la Seconde Guerre mondiale, il rejoint l’armée australienne où il est affecté à la logistique.

 

 

 

En 1948, il épouse l’actrice australienne June Brunell. Après la guerre, il travaille comme photographe indépendant, en réalisant des photos de mode ainsi que des travaux pour le magazine Playboy. À la fin des années 1950, il se concentre davantage sur les clichés de mode.

Il s’installe à Paris, rue Aubriot, en 1961 et devient un photographe de mode très productif. Il réalise des séries de mode pour de nombreux magazines, en particulier dans Vogue. Son style, parfois d’une subjectivité sensuelle, est marqué par l’érotisme, par des scènes stylisées et, souvent, par une violence sous-jacente. À partir de 1970, sa femme June se lance aussi dans la photographie sous le nom d’Alice Springs. En 1977, le couple s’installe à Paris.

À partir de 1981, Helmut Newton réside à Monaco et à Los Angeles.

Helmut Newton meurt le 23 janvier 2004 des suites d’un accident de voiture à Hollywood.

 

Newton est un amateur de mise en scène, ses photos sont influencées par le cinéma allemand de l’entre-deux-guerres. C’est un réaliste. Tout ce qui fait tourner le monde l’intéresse : les passions collectives, nos fantasmes, nos aspirations refoulées et nos désirs sublimés. Il réussi à donner une forme iconique à ces sentiments.  Il affirmait ‘je fais ce qui me plait’.

Newton était un jardinier des délices, le dernier élève de Freud dont le médium n’était pas le divan.

Ses scènes glacées, clairement artificielles tourne autour du pouvoir et de l’assujettissement de la puissance et de la passion, de la séduction, du désir et de l’amour physique. Son royaume est éminemment sensuel.

Pas de coexistence de personnages, mais une hiérarchie dans laquelle un rôle déterminant est assigné à la femme : les bottes, le fouet, les selles, les chiens berger, les chaines, les haut talons sont les symboles récurrents d’un système complexe de signes dans lequel l’observateur attentif pourra découvrir une profusion de miroirs et de longs corridors, d’escaliers et de balcons suspendus, des piscines et de garde-fous.

 

La mode, un prétexte à une idée

« I hate good taste. It’s the worst thing that can happen to a creative person. »

Helmut Newton

Newton aime la mise en scène, son moyen d’avoir un contrôle absolu de l’image.

Au début des années 60, il trouve un tremplin génial dans l’édition française de Vogue dont la rédactrice en chef est la courageuse Francine Crescent. La morale est encore étroitement délimitée. Mais les signes de mutation commencent à apparaître. Son univers photographique a profité du processus de libération des mœurs, ce qui lui a permis de contribuer à repousser les limites de la tolérance.

Newton était un photographe de mode. Mais les coupes et les tissus ne l’intéressaient que d’une manière marginale. Pour lui, la mode est le ressort de toute sensualité. Ce que produit Newton sont reliés à des commandes, mais elles nourrissent ses aspirations, ses rêves, ses envies et ses angoisses. Ses images prouvent qu’il a touché des désirs collectifs.

 

L’érotisme du quotidien

Il a toujours insisté sur le fait qu’il n’est guère autre chose qu’un voyeur. Son art émerge de l’école de la vie. Il se désigne comme ‘le mauvais garçon de la photographie’.

‘Les personnages dans mes photos sont arrangés comme dans une mise en scène.’

Il faisant souvent référence à une photo intitulée ‘Tour Eiffel’ (1974) comme le reflet de sa vision de l’art. C’est une vue de l’arrière d’une limousine transformée ne chambre à coucher. C’est le reflet du coté équivoque et ambigu d’Helmut Newton.

White Women, La tour Eiffel, 1974

 

 

L’inspiration de son art photographique

Newton était fasciné par l’idée que sous chaque grande tenue se dissimule un corps aux formes plus ou moins belles. La mode est un rideau de scène qu’il s’agit d’écarter.

Dans les années 70, il photographie des filles entièrement nues sous leur manteau de fourrure dans le métro parisien. Il aimait sonder les limites du possible. Il a transformé de façon radicale notre idée de ce qui est permis ou interdit.

 

De plus en plus obsessionel

C’est dans le cadre de ses commandes qu’il a toujours trouvé son inspiration. Ses meilleures photos sont issues de ces contraintes. Ce sont des idées coûteuses : elles nécessitent des visagistes, des coiffeurs, des stylistes. Il a besoin du soutien logistique et financier des grands magazines et éditeurs. Ainsi, la commande était la source s’alimentait son travail.

Son premier livre : White Women

Son livre est presque terminé, mais il manque quelques photos pour le compléter : il faut que ce soit des nus assez osés, alors que pour son client, il doit livrer des photos élégantes. Il décide donc de produire deux versions de la même photo : une nue et l’autre habillée.

Il fait donc référence à son intérêt pour la dichotomie ‘nu / habillé’ qui était de plus en plus une passion.

 

Elles arrivent !

Parue pour la première fois à l’automne 1981 de Vogue Parie, ‘Elles arrivent!’ représente l’apogée d’une passion qui ne pouvait guère aller plus loin. La courageuse rédactrice en chef Francine Crescent lui consacre 8 pages, risquant sa place pour lui.

Le titre ‘Elles arrivent!’ souligne la détermination d’une nudité qui s’affiche désormais comme naturelle, mais aussi comme un signe de vulnérabilité. Vue ainsi, les femmes de Newton des années 80 sont grandes, fortes, résolues et prête à conquérir des domaines réservés aux hommes.

La nudité intégrale en talon aiguilles fait partie du vocabulaire de l’art photographique de Newton.

Pour cette production, Newton troque l’ambiance de charme d’une villa italienne contre l’atmosphère aseptisée d’un studio parisien. Les flous dus au bougé ont disparus. Il fait des femmes des héroïnes. C’est la féminité triomphante et dominatrice, amplifié par une forte contre-plongée et la neutralité du fond clair.

 

 

Autres références : ‘Rue Aubriot’ (1975) et ‘Mannequins quai d’orsay’

Rue Aubriot (1975)

 

Manequins quai d’Orsay

 

 

 

 

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