La photographie conceptuelle

24 janvier 2020 In Projets du Groupe Création Photo, Vision conceptuelle By Claude Gauthier

La photographie conceptuelle

On peut dire avec confiance qu’aucun style artistique n’apparait spontanément. Connaitre les sources d’influence d’un mouvement artistique permet de comprendre les codes esthétiques et le langage émotionnel. C’est ainsi que l’on se lance dans la recherche des influences qui inspire la production de la photographie conceptuelle. Dans une démarche artistique, on ne peut certainement pas prédire ou l’avenir nous amène, mais on peut certainement savoir d’où on vient.

Définition:

Démarche créatrice basée sur la mise en scène d’un figurant ou du photographe comme personnage principal, faisant appel à l’imaginaire, à l’humour, au symbolisme et à l’abstraction pour communiquer une émotion.

Le personnage est souvent placé dans une situation absurde, faisant face à un défi insurmontable.

Chaque photographie raconte une histoire : c’est une œuvre complète en elle-même. L’observateur doit l’interpréter, à la lumière des clés fournie. Pour ce faire, il doit user d’imagination, comprendre la satire, suivre de fausses pistes pour capter le message derrière l’histoire.

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Les pionniers

Écoles de peintures

Le Mouvement Pré-Rapahélite (1848 – 1870)

Les préraphaélites étaient une société secrète de jeunes artistes (et un écrivain), fondée à Londres en 1848 . Ils s’opposaient à la promotion de l’idéal artistique tel que décrit par la Royal Academy, une forme de peinture conçus pour être commercialisable, historique, sans imagination et artificielle. Leurs thèmes principaux étaient d’abord religieux, mais ils utilisaient aussi des sujets de littérature et de poésie, en particulier ceux traitant de l’amour et de la mort. Ils ont également exploré les problèmes sociaux modernes.

Les premières doctrines de la confrérie, telles que définies par William Michael Rossetti, ont été exprimées en quatre éléments :

Avoir de véritables idées à exprimer ;
Étudier la nature avec attention, afin de savoir comment la représenter;
Sympathiser avec ce qui est direct, sérieux et sincère dans les influences artistiques antérieures, à l’exclusion de ce qui est conventionnel et aveuglément répétitif; et
le plus important, produire des images et des sculptures « bonnes » (throughly good pictures and statues).

Le nom de la Fraternité préraphaélite faisait référence à l’opposition du groupe à la promotion de Raphael, maître de la Renaissance, par l’Académie royale. Ils étaient également en révolte contre la trivialité de la peinture de genre immensément populaire de l’époque.

Ils ont été inspirés par l’art italien des XIVe et XVe siècles, et leur adoption du nom préraphaélite a exprimé leur admiration pour ce qu’ils considéraient comme la représentation directe et simple de la nature typique de la peinture italienne avant la Renaissance et, en particulier, avant l’époque de Raphael. Bien que la vie active de la Fraternité n’ait pas duré tout à fait cinq ans, son influence sur la peinture en Grande-Bretagne, et finalement sur les arts décoratifs et le design d’intérieur, a été profonde.

Ses principaux membres étaient William Holman Hunt, John Everett Millais, et Dante Gabriel Rossetti, tous les âges de moins de 25 ans. Après une opposition initiale lourde, les préraphaélites sont devenus très influents, avec une deuxième phase du mouvement à partir d’environ 1860, inspiré en particulier par le travail de Rossetti, apportant une contribution majeure au symbolisme.

La Fraternité a immédiatement commencé à produire des œuvres très convaincantes et significatives. Leurs images de sujets religieux et médiévaux s’efforçaient de raviver le sentiment religieux profond et la franchise naïve et sans ornement de la peinture florentine et viennoise du XVe siècle.

L’œuvre de Rossetti différait de celle des autres par son esthétique plus obscure et par le manque général d’intérêt de l’artiste à copier l’apparence précise des objets dans la nature. Vitalité et fraîcheur de la vision sont les qualités les plus admirables de ces premières peintures préraphaélites.

Dante Gabriel Rossetti The Salutation of Beatrice 1869

Consulter les oeuvres de Dante Gabriel Rossetti

À la fin des années 1850, Dante Gabriel Rossetti s’associe aux jeunes peintres Edward Burne-Jones et William Morris et se rapproche d’un romantisme sensuel et presque mystique.

Millais, le peintre le plus doué techniquement du groupe, est devenu un succès académique.

**John Everett Millais**, les amoureux huguenot à la St-Barthlémie,

Consulter les oeuvres de John Everett Millais

Hunt seul a poursuivi le même style tout au long de la majeure partie de sa carrière et est resté fidèle aux principes préraphaélites.

Le style de Hunt et Millais utilise un éclairage pointu et brillant, une atmosphère claire, et une reproduction presque photographique des détails minuscules. Ils introduisaient aussi fréquemment un symbolisme poétique privé dans leurs représentations de sujets bibliques et de thèmes littéraires médiévaux.

**William Holman Hunt**, Le berger engagé (1851)

Consulter les oeuvres de William Holman Hunt

Le préraphaélite dans sa phase ultérieure est incarné par les peintures de Burne-Jones, caractérisée par l’usage d’une palette de bijoux, des figures élégamment atténuées, et des sujets et des décors très imaginatifs.

Leur travail a été sévèrement critiqué par le romancier Charles Dickens, entre autres, non seulement pour son mépris des idéaux académiques de la beauté, mais aussi pour son irrévérence apparente dans le traitement des thèmes religieux avec un réalisme sans compromis.

En 1854, les membres de la Fraternité préraphaélite avaient pris leurs chemins individuels, mais leur style avait une grande influence et a gagné de nombreux adeptes au cours des années 1850 et au début des années 60.

La Sécession viennoise

« Notre art n’est pas un combat des artistes modernes contre les anciens, mais la promotion des arts contre les colporteurs qui se font passer pour des artistes et qui ont un intérêt commercial à ne pas laisser l’art s’épanouir. Le commerce ou l’art, tel est l’enjeu de notre Sécession. Il ne s’agit pas d’un débat esthétique, mais d’une confrontation entre deux états d’esprit. »
Commentaires du critique littéraire Hermann Bahr

La Sécession viennoise est un courant artistique qui s’est épanoui à Vienne, entre 1898 et 1906. Ce courant est influencé par l’importance grandissante de l’Art nouveau, une tendance généralisée en Occident à la fin du XIX e siècle. La Sécession viennoise a su définir ses propres caractéristiques, manifestes, expositions et artistes, et influencer plusieurs régions de l’Europe de l’Est.

La Sécession viennoise se développe dans le prolongement des remous artistiques allemands, mais de façon unique. Ses artistes influents inclue Josef Olbrich, Josef Hoffmann et Gustav Klimt.

Les buts du regroupement sont de:

réunir les forces créatrices de ce pays ;
instaurer des contacts avec les artistes étrangers ;
prôner un échange international des idées ;
lutter contre l’élan nationaliste des pays européens ;
renouveler les arts appliqués ;
créer un art total ;
opposer une nouvelle expression artistique véritable à l’art défraîchi des salons officiels viennois.

On a fait référence aux oeuvres de Gustav Klimt, Judith, 1901 ou de Franz von Stuck, Le Péché, 1912 comme un crime contre la création artistique.

**Gustav Klimt, Judith**, 1901 et **Franz von Stuck, Le Péché**, 1912

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Salvator Dali

Sélection de peintures de Salvator Dali

Le cinéma de Keaton

Joseph Frank Keaton Junior, connu sour le nom Buster Keaton (1895-1966), est un acteur, réalisateur, scénariste, producteur et cascadeur américain. C’est un humoriste connu pour son flegme. Il a marqué l’époque du cinéma muet américain.

Il apprend le métier de comique dès son plus jeune âge avec son père. Son expérience sur les planches lui a permis d’acquérir une technique corporelle exceptionnelle, mais la piètre qualité de ses premiers spectacles l’amène à faire des films dont les mises en scènes sont plus soignées. Durant les années 1920, Keaton réalise et interprète une dizaine de films qui seront marquants dans l’histoire du cinéma. Il y crée un personnage introverti mais téméraire, toujours en quête d’amour.

L’oeuvre de Keaton

La créativité de Keaton

En 1928, Buster Keaton signe un contrat avec la MGM. Sa créativité est alors étouffée par Louis B. Mayer et ses studios. Buster Keaton ne peut plus exprimer sa fantaisie et son génie. En quelques années, Hollywood fait de lui un réalisateur dépassé, et le mène à la ruine.